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_Sereno no me mandes a dormir_ es un proyecto del artista **Christopher Gregory Rivera**, en colaboración con el Grupo de las Ocho Comunidades Aledañas al Caño Martín Peña (G-8 Inc.) y su fideicomiso, en el cual elabora un imaginario de la comunidad a partir de una mirada contemplativa a la vida cotidiana dentro y fuera de las residencias. 

El Fideicomiso de la Tierra del Caño Martín Peña es el mecanismo principal con el que cuentan las ocho comunidades para administrar las tierras que el gobierno transfirió a los residentes. Es decir, los habitantes de Las Monjas, Parada 27, Israel y Bitumul, Buena Vista Hato Rey, Buena Vista Santurce, Barrio Obrero Marina, Barrio Obrero San Ciprián y Barrio Obrero Oeste pueden ser propietarios de sus estructuras, mientras que los terrenos pertenecen colectivamente a toda la comunidad.

La exhibición de Gregory Rivera es un homenaje a la historia y la vida en las comunidades que conforman el Fideicomiso, subrayando el valor de su liderato y la labor organizativa que se cuece allí diariamente. La muestra cuenta además con una selección de objetos y entrevistas que vinculan aún más el imaginario fotográfico con los relatos y la vida de las personas que habitan y defienden El Caño. 

Este proyecto es resultado de la iniciativa _Building Dignified Worlds: Narratives of Diversity in Housing and Property Ownership in Latin America_ que invitó a fotógrafos de distintos territorios a reflexionar acerca de la vida en comunidad junto a colectivos que han elaborado formas propias de resistir al acecho de la colonización y el desplazamiento. Los conjuntos de imágenes que componen esta muestra se organizan en torno a ejes temáticos que exploran aspectos acerca del paisaje, el diario vivir, la organización política y los procesos de realojo y dragado. 

El trabajo de Gregory apuesta por el replanteamiento de las narrativas a través de la investigación, la producción de contraimaginarios visuales y la reescritura de los archivos. Esta muestra quiere ayudar a hacer visible la gesta organizativa que insiste en que se reconozca el valor histórico de estos asentamientos y la valentía de los residentes que se resisten a ceder su derecho a ocupar legítimamente el territorio y a contar sus historias.

Este proyecto ha sido gestionado por el programa MAC en el Barrio y los miembros del Fideicomiso de la Tierra del Caño Martín Peña, el Grupo de las Ocho Comunidades Aledañas al Caño Martín Peña (G-8 Inc.), y el Proyecto ENLACE del Caño Martín Peña quienes celebran 21 años de la Ley #489 del 2004. Dicha ley representa un hito histórico en la organización comunitaria en Puerto Rico, reconociendo a la comunidad como centro y corazón de un proceso de planificación y desarrollo integral. 

La muestra ha sido posible gracias al apoyo de Wallace Foundation, Magnum Foundation, FICA y el Parsons Design for Social Innovation and Sustainability Lab con el patrocinio de Henry Luce Foundation.

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VISITA

INSTITUCIONES COLABORADORAS

SERENO NO ME MANDES A DORMIR

CIRCA SIN FUTURO ⁠ No. 8 ⁠ De la serie “Circa No Future” ⁠

LA MEMORIA DE LAS FRUTAS (PUERTO RICO)

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_Caribe por venir [Caribbean-Yet-To-Come]_, curada por Arnaldo Rodríguez Bagué, es una plataforma de investigación curatorial que explora las múltiples relaciones entre la performance, el territorio y la materialidad en el arte caribeño contemporáneo desde el 2017. También es el título de la nueva exhibición en el MAC que reúne fotografías y videos de performances acompañados por dibujos, esculturas, objetos, textos y canciones que construyen un archivo-territorio antillano. 

Estas obras trazan una diversidad de prácticas del cuerpo llevadas a cabo por diecinueve artistas caribeñxs y de sus diásporas en las Américas y Europa. Realizadas a través de territorios costeros localizados en Puerto Rico, Cuba, Isla Captiva (EE.UU.), San Vicente y las Granadinas, Terranova y Labrador (Canadá), Chile y Reino Unido, las obras y orillas constituyen un archipiélago transnacional. 

La exhibición centra su atención en cómo lxs artistas isleñxs del Caribe establecen una multiplicidad de vínculos con los repertorios de agencias oceánicas, telúricas, atmosféricas y cosmológicas que constituyen, animan y transitan de manera inconmensurable los territorios antillanos. Las obras no invitan a la contemplación de un mero paisaje tropical que espera a ser ocupado, intervenido y explotado como un recurso inerte.

En su lugar, _Caribe por venir_ ensaya una noción de territorio que propone acercarse a las islas del Caribe como una entidad llena de agencia, deseo, contemplación, pensamiento y voluntad generadora, interlocutora y colaboradora de las agencias humanas. 

Esta exhibición ha sido posible gracias al auspicio de: _Teiger Foundation, Beta Local y la Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario_  

Apoyo institucional adicional es provisto por:  _Wallace Foundation, Mellon Foundation, Ford Foundation, Getty Foundation y Terra Foundation for American Art_

Crédito de imagen: Carlos Martiel, Marea, 2009, _Caribe por venir_, Fotografía por Rafael Villares. 

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ENTRADAS

CARIBE POR VENIR 

TELEFONO CARACOL

LA BODA

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_MAR ADENTRO_, curada por **Marina Reyes Franco**, Curadora del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC), es una exhibición que nos invita a fluir hacia el interior; considerando las aguas como archivo de experiencias de los ríos hasta el mar, conectando islas, cuerpos y luchas. Organizada a partir de una selección de obras de la **Colección Permanente del MAC**, la muestra consiste en dos obras fundamentales de **Daniel Lind Ramos**, junto a piezas que han sido parte del programa de exhibiciones durante los últimos 5 años, una obra de reciente adquisición de **Ángel Otero** y un préstamo de **Tessa Mars**. 
 
Con la participación de un diverso grupo de artistas del Caribe y sus diásporas, _MAR ADENTRO_ se centra en el mar y los ríos no solo como marcadores geográficos, sino también como canales de memoria ancestral, fuente matérica; y sitio de reflexión ambiental y resistencia. El agua se convierte en metáfora, material y método. Desde la caracola transformada en un portal surrealista para la comunión con los orishas, hasta la pieza que explora las prácticas de coleccionismo imperial para reconfigurar una cosmología negra a través del mar, la tierra y el cielo, cada obra reivindica el agua como espacio de poder. Algunas piezas confrontan el espectáculo y contradicciones del turismo caribeño. Otras honran la labor cultural de las comunidades costeras y la insistencia en sobrevivir de las criaturas que vivimos entre estuarios y manglares, inundadas de memorias y destrozos coloniales.  
 
Juntas, estas obras crean una conversación desde el origen del río hasta la profundidad oceánica, invitándonos a escuchar —a las conchas, a las raíces, a las olas, a unx mismx. 

Esta exhibición ha sido posible gracias al auspicio de Teiger Foundation, Banco Popular, la Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario y la Compañía de Turismo de Puerto Rico. Apoyo institucional es proveído por Mellon Foundation, Wallace Foundation, Getty Foundation y Terra Foundation for American Art. 

Crédito de imagen: Ángel Otero, The Wedding, 2024 © Angel Otero 

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MAR ADENTRO

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La muestra de aniversario MAC en el Barrio, curada por Marianne Ramírez Aponte, Directora Ejecutiva y Curadora en Jefe del MAC y Abdiel Segarra Ríos, Curador Asociado del MAC, pone en valor 10 años de labor comunitaria, reflexión crítica y trabajo colaborativo.  La exposición cuenta con obras pertenecientes a la Colección del Museo, resultado de un esfuerzo sostenido de apoyo a la producción artística a través de comisiones que involucran artistas locales de diferentes generaciones y disciplinas, así como de esfuerzos por vincular a la diáspora y artistas invitadxs de otros territorios del Caribe. 

El recorrido incluye una memoria gráfica y fotográfica de lo que ha sido el desarrollo del proyecto, así como de los vínculos de hermandad que se han estrechado con lxs líderes y lideresas que han acompañado el proceso creativo de lxs artistas. El proyecto se organiza en torno varios soportes que permiten mostrar de manera amplia el panorama de gestión que ha abarcado la iniciativa: una serie de proyecciones, una agenda de conciertos y recitales, un calendario de performances en vivo, una publicación y una serie de podcast acerca del proyecto y sus protagonistas. 

La exhibición de _10 Años de MAC en el Barrio_ es posible gracias al auspicio de The Wallace Foundation, La Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, y Mellon Foundation. Gracias al generoso apoyo de Aeronet Wireless Broadband.


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10 AÑOS DE MAC EN EL BARRIO

Coconut Chaos, from Matter out of Place

Juan Ángel Silen's Carpeta

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_Sunlight on the Sea Floor_ contempla experiencias compartidas de colonialismo, desplazamiento y resistencia a través de obras que inscriben historias suprimidas.

La exposición toma el trabajo de Clément Siatous, cuyas pinturas memorializan al pueblo chagosiano, como punto de partida. A principios de la década de 1970, toda la población de las Islas Chagos, una colonia británica en el Océano Índico, fue removida forzosamente para dar paso a una base naval estadounidense. Siatous narra la vida en las islas, tanto recordada como imaginada, antes y después del desalojo, ofreciendo una contranarrativa a los registros militares. Sus pinturas enfatizan el poder de la imaginación radical y el archivo para preservar la memoria colectiva.

Si bien la situación del pueblo chagosiano es distintiva, resuena con patrones más amplios de desplazamiento y borrado. Esta exhibición reúne múltiples perspectivas sobre las sociedades posplantación, que abarcan el Océano Índico y el Mar Caribe. El trabajo de Siatous ancla la exposición y sirve como modelo para un proceso archivístico compartido, que conecta con artistas de Barbados, la República Dominicana, Guadalupe, Jamaica, Mauricio, Panamá, Puerto Rico y sus diásporas en los Estados Unidos y el Reino Unido. A través de acercamientos multidisciplinarios, la exhibición fomenta conexiones y registra nuevos medios para comprender el pasado.

Titulada en honor al poema de Derek Walcott “The Sea Is History,” la exhibición demuestra cómo los actos creativos de recordación resisten el olvido. Lo que parece perdido puede resurgir, de manera muy similar a cómo la naturaleza y las historias culturales persisten a pesar de las fuerzas destructivas. 

_Sunlight on the Sea Floor_ es una exposición itinerante curada por Paula Naughton y Marina Reyes Franco (Curadora, Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico). Es producida por Independent Curators International (ICI), Nueva York y el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC). Sunlight on the Sea Floor es posible gracias al generoso apoyo de la Junta de Síndicos y el Foro Internacional del ICI. La muestra en el MAC es generosamente apoyada por Mellon Foundation, la Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, Banco Popular y la Compañía de Turismo. Apoyo institucional es proveído por Wallace Foundation, Getty Foundation y Terra Foundation for American Art. 

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INSTITUCIÓN COLABORADORA:

SUNLIGHT ON THE SEA FLOOR

Los tres amigos

El encuentro

Espíritu del corte

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_Puerto Rico Negrx_ es la primera exhibición institucional que establece un diálogo intergeneracional y contextualiza históricamente la producción de artistas identificados como negrxs en Puerto Rico y su diáspora, a partir de una selección de obras realizadas desde la década de 1990 hasta la actualidad. La exhibición toma como punto de partida la exhibición Paréntesis: ocho artistas negros contemporáneos y la importancia que ha tenido como proyecto de un grupo que reivindicaba su identidad como puertorriqueñxs negrxs y artistas contemporáneos que rechazaban un vínculo inherente entre la negritud, el folclore y la artesanía.

Trabajando en una amplia gama de medios, lxs artistas abordan diferentes temas relacionados con la identidad, el desplazamiento comunitario, la espiritualidad, la abstracción, la soberanía alimentaria, la migración, las historias post plantación, así como exploraciones sobre el reggaetón y otras formas de música.

Consigue el catálogo de la exhibición, ya disponible en nuestra Tienda MAC en horario de miércoles a domingo de 11:00 a.m. a 5:00 p.m.  y descubre una visión más profunda de las obras y los temas abordados. Esta es una oportunidad única para conectar con las curadoras de _Puerto Rico Negrx_ y profundizar en el significado artístico y cultural de la muestra.

Esta exhibición fue posible gracias a Tiznando el País, un proyecto realizado en colaboración por el Instituto Interdisciplinario y Multicultural de la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras; y la Alianza de Museos de Puerto Rico. El proyecto fue subvencionado por la Fundación Mellon y el Fondo Flamboyán para las Artes.

**Generoso apoyo:**
Ford Foundation, Mellon Foundation, University of Pennsylvania, Fondo Flamboyán para las Artes, y Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario.

**Apoyo institucional:**
Wallace Foundation, Getty Foundation y Terra Foundation for American Art


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PUERTO RICO NEGRX

Relicario

Por el viento y la corriente

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_Liberar la luz: nuevas adquisiciones de video_ presenta una selección de tres videos de reciente entrada a la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC), realizados por les artistas La Vaughn Belle (n. Tobago 1974. Vive en Christiansted, Santa Cruz, USVI), Michael D. Linares (n. Bayamón, Puerto Rico 1979), y Daniel Lind Ramos (n. Loíza, Puerto Rico 1953). La exhibición está guiada por el deseo de ampliar la colección del MAC de manera que ésta refleje la importancia de lo audiovisual en la producción contemporánea y el video como medio de exploración de los temas que se hilvanan a través del amplio cuerpo de trabajo de estos artistas. Notablemente, dos de los videos presentados –_Por el viento y la corriente_, de Belle, y _Talegas de la memoria_, de Lind Ramos– fueron desarrollados en Loíza como parte de MAC en el Barrio, el programa de equidad cultural y comisiones artísticas del museo. 
 
En _Talegas de la memoria_, Lind Ramos presenta una alegoría de la historia y colonización de Puerto Rico protagonizada por las expresiones culturales de Loíza. Filmado en la playa Vacía Talega, el video dramatiza musicalmente las transformaciones históricas que se han dado en Puerto Rico, interpretadas por personajes vinculados a los performeros populares de las Fiestas de Santiago Apóstol. Como es de costumbre en su trabajo, el artista hace uso de las fiestas como prisma con el cual interpretar el mundo. El video es acompañado en sala por dos ensamblajes escultóricos que honran la labor de lxs cocinerxs de Loíza. _Por el viento y la corriente_ investiga la historia de cimarronaje de personas esclavizadas que huyeron de la isla de Santa Cruz a Puerto Rico en busca de su libertad. Como parte de la comisión, Belle realizó la instalación flotante con cocos vista en el video, la cual fue inspirada en las descripciones de las marcas tribales de los esclavizados incluidas en los anuncios que buscaban su retorno como propiedad. Estas marcas, cicatrices que reflejaban una identidad y herencia cultural previa a la esclavitud, son un recordatorio del espíritu indestructible de quienes las llevaban. La obra es un ensayo poético sobre la historia del cimarronaje y sus implicaciones en la actualidad, convirtiéndose en una ofrenda a esta historia y a esos hombres y mujeres. Ambas obras dialogan con _Una historia aleatoria del palo_, una pieza en la que Linares investiga el palo como origen de la metáfora en la historia de la humanidad, estableciendo conexiones poéticas en relación con la historia de las civilizaciones y su cultura material. Nutrido por referencias visuales que emanan de sus estudios e interés en el arte, antropología y arqueología, el estilo visual del video evoca las búsquedas en internet y como conviven las influencias y saberes en el ámbito digital. 

Con esta exhibición, el MAC reafirma su compromiso con la práctica de coleccionar el arte de nuestros tiempos, dando cuenta de los lazos intergeneracionales, interdisciplinarios, caribeños y ancestrales que nos vinculan. 

_Esta exhibición ha sido posible gracias al auspicio de la Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos, Mellon Foundation y The Wallace Foundation_.  
 

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LIBERAR LA LUZ: NUEVAS ADQUISICIONES DE VIDEO

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_Foreign In a Domestic Sense_ es una video instalación de Natalia Lassalle-Morillo y Sofía Gallisá Muriente que explora la vida de los puertorriqueños que han emigrado a Florida Central en los últimos años. A través de sus testimonios e imaginarios, las artistas presencian, acompañan y evocan las vivencias de un grupo que –en el contexto de desastres climáticos, políticos y económicos y de desplazamiento en el archipiélago– constituye el grupo de puertorriqueños de más rápido crecimiento en los Estados Unidos. Haciendo referencia al fallo de 1901 de la Corte Suprema de los Estados Unidos que identificó a Puerto Rico como una posesión no incorporada después de la Guerra Hispanoamericana de 1898, el título cita el oxímoron de la corte que originó una extraña jurisprudencia de pertenencia colonial. La pieza de 4 canales superpone tomas digitales y en Super8 utilizando igualmente formas narrativas ficticias y no ficticias para presentar especulaciones sobre cómo se performera y recrea una comunidad. La instalación aspira a transportar a les espectadores al mundo sensorial y atmosférico de la pieza a través del uso del espacio, la luz y el sonido en sala. El pantano, una cabina de Jet Blue o un cohete de Space X y un parque temático de Disney World; todas estas imágenes colapsan en un abrazo en una pista de baile. 

_Esta exhibición ha sido posible gracias al auspicio de la Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos, Mellon Foundation y The Wallace Foundation_. 
 

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FOREIGN IN A DOMESTIC SENSE

Cuidado con el chango

Verdadero arte bahameño

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Trópico es político investiga las ideas de paraíso y paraíso fiscal en el arte contemporáneo de artistas del ámbito caribeño. Esta exhibición aborda el Caribe como una región sujeta a un conjunto de circunstancias estructurales particulares, un producto del régimen de la economía del visitante. Centradas en torno a tres ejes principales, el cuerpo, el territorio y las finanzas, las obras seleccionadas en esta exhibición ahondan en los efectos del turismo en les artistas. 
 
El término “economía del visitante” denota la actividad económica de las personas que visitan un lugar, y puede impregnar todos los aspectos de la vida, transformando la sociedad en una que sirve a la experiencia del turista o del visitante. Muchas economías que se sustentaron por cultivos de plantaciones, ahora dependen de visitantes atraídos por postales de playas prístinas y promesas de secreto bancario. El término “régimen” enfatiza las estructuras económicas, culturales y sociales jerárquicas que reproducen e imponen estas ideas, ya sea que estén representados por operadores turísticos, conglomerados hoteleros internacionales, o gobiernos nacionales. Estos temas están entrelazados con las sucesivas historias coloniales, y procesos de construcción de identidad y la nación en el supuesto presente poscolonial del Caribe. 
 
A través de sus obras, y la forma en que desarrollan sus vidas y carreras, estos artistas proponen formas de ver y reinterpretar la vida en el Caribe; no solo señalar los defectos, sino también las oportunidades de transformación y futuro. 

_Esta exhibición ha sido posible gracias al auspicio de: Teiger Foundation, Open Society Foundations, The Andy Warhol Foundation, y Mellon Foundation_. 

_Esta exhibición es presentada en colaboración con Americas Society. / This exhibition is presented in collaboration with Americas Society_.

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TRÓPICO ES POLÍTICO: ARTE CARIBEÑO BAJO EL RÉGIMEN DE LA ECONOMÍA DEL VISITANTE

Aquí [El prólogo]

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_Cüirtopia: Soft Crash_ es una ficción sobre unos viajeros que abandonan su hogar en busca de Cüirtopia: un archipiélago donde se rumora que sus habitantes están libres de normas impuestas de género y sexualidad. A bordo de un velero y dos embarcaciones flotantes, el grupo emprende un viaje de años para llegar a las aguas del Caribe. Como proyecto, Cüirtopia existe a través de varias plataformas: un mapa interactivo online de espacios LGBTQ+ en Puerto Rico; un programa de radio y podcast; cursos de arquitectura; varias películas, y este Taller Vivo.  

Regner Ramos reimagina como se pueden representar los territorios, espacios y edificios
del Caribe a través de un lente poscolonial y queer. La ubicación física del MAC en relación con un circuito urbano queer en Santurce posiciona el edificio como un espacio seguro alternativo para modos queer de apropiación espacial, producción cultural e imaginación artística. En lugar de utilizar este edificio como un telón de fondo vacío para el proyecto, Cüirtopia: Soft Crash inscribe al MAC en su propia historia. Realizada en el marco del programa Taller Vivo, la exhibición contará con una serie de talleres de creación participativa que irán modificando la muestra, y estará acompañada de recorridos guiados por la sala y el vecindario santurcino. La exhibición narra así la travesía, investigaciones, registros fílmicos, cartografías y personajes que son parte de este aterrizaje forzoso, pero deseado.

La exhibición es organizada por Marianne Ramírez Aponte, Directora Ejecutiva y Curadora en Jefe del MAC y Marina Reyes Franco, Curadora del MAC. 

_El Taller Vivo cuenta con el generoso apoyo del Fondo Flamboyán para las Artes, el Fondo Institucional para la Investigación y el FabLab de la Universidad de Puerto Rico Recinto de Río Piedras_.

_Cüirtopia es dirigida creativamente por Regner Ramos, junto a un equipo de diseñadores, investigadores y creadores: Gabriela Ennich, Carlos Luis Ríos, Manuel Torregrosa y Delgado de León, Michael Ortiz, Paula Stoddard, Adriana Rivera, Paulina Avilés-Feshold, María José Jiménez, Claudia Crespo, Christian González-Román, y Brian Torres-Negrón_.

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CÜIRTOPIA: SOFT CRASH

Animinchín

Young Lords

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La muestra _(Re)conocer el futuro_ , curada por Marianne Ramírez Aponte, Directora Ejecutiva y Curadora en Jefe del MAC, destaca la capacidad que tiene el arte de diagnosticar y abrir posibilidades de entendimiento de nuestra realidad. El diálogo propuesto por esta selección de obras de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC) realizadas por artistas puertorriqueñxs, caribeñxs y latinoamericanxs que atraviesan varias generaciones, permite un análisis contrastado, multicultural y multitemporal, de algunos de los asuntos más apremiantes sobre los que pensar el mundo.

Enriquece este análisis un escogido de fotografías del artista puertorriqueño nacido en Ucrania, Jack Delano (Kyiv, 1914—San Juan, 1997). Le rendimos tributo por su legado como documentalista excelso de la realidad puertorriqueña por más de cinco décadas y como gesto de solidaridad con el pueblo ucraniano a raíz de la invasión rusa en febrero 2022. Vistas en contrapunto con las obras de Delano, las obras de la colección del MAC dan cuenta de las profundas transformaciones, tanto sociales como de nuestro paisaje, que ha sufrido Puerto Rico; transformaciones marcadas por un linaje colonial del cual no hemos podido desprendernos.

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(RE)CONOCER EL FUTURO

Es una trampa

Gabi Pérez-Plata

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_Novenario_ marca el modo en que lxs artistas imaginan la transformación del estado de dolor y pérdida a un estado de potencialidad; donde la rabia, el dolor y la belleza insisten en coexistir. Esta exhibición busca poner de relieve el trabajo del duelo pintado, trazado, fotografiado, tejido, esculpido, danzado, cantado y escrito, partiendo de grandes eventos devastadores de los siglos 20 y 21.  Estos hechos se han acumulado en el archivo artístico, sin necesariamente haber hecho una entrada en la historia del arte local, como fragmentos de quizás los hechos más transformadores de nuestras breves vidas.

Las obras seleccionadas conmemoran novenarios imaginarios para nombrar el trabajo del duelo. Marca los nueve meses de gestación de vidas nuevas, los nueve días y noches en que se reúnen diversas comunidades espirituales de Puerto Rico a rezar rosarios, a tocar tambores o a esperar la trascendencia del espíritu. Es el místico número nueve de los ciclos vitales y los resignificados territorios del duelo en la obra de artistas contemporáneos de Puerto Rico de distintas generaciones y prácticas. Sin embargo, aquí el duelo no es un recuento historiográfico de la tragedia, sino que propone un sentimiento compartido que quiere ser mediado por el arte y el recuerdo de sus espectadorxs de hoy, sobrevivientes del huracán María (2017), terremotos (2020) y la pandemia Covid-19 (2020-21). Ciertamente, la exhibición también quiere dialogar y duelar-doler con aquellxs que no conocen esta historia. Aspiramos a que estas obras provean un sentido de cómo se transforma el dolor en la imaginación de otras realidades, materialidades y sueños. 

_Esta exhibición es posible gracias a The Andy Warhol Curatorial Fellowship, Instituto de Cultura Puertorriqueña, National Endowment for the Arts, Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, Fondo Flamboyán para las Artes, The Ford Foundation y Liberty Business_.

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NOVENARIO

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_En tierra estéril convertida_ expone obras que exploran la conexión entre la violencia imperialista y la violencia de género a través de propuestas innovadoras que construyen una metáfora del cuerpo como territorio invadido y, a la vez, como espacio violentado por el patriarcado. Los trabajos son producidos por artistas del Caribe, América Central y México entre la década de 1970 hasta el presente. En la muestra, el cuerpo se convierte en memoria histórica, naturaleza, conocimiento ancestral y tierra comunitaria, cuestionando las imposiciones de género que trajo occidente y el neoliberalismo individualista que destruyen comunidades de cuidado, conocimiento y alimentación. Las participantes se aproximan a problemáticas coloniales y de género que han tenido como conclusión algunas de las formas de violencia más horripilantes de la historia moderna y contemporánea como feminicidios masivos, violencia sexual como arma del genocidio y control de cuerpos esclavizados, y esterilizaciones forzosas. Cronológicamente, sus obras van de un enunciado crudo, sangriento y literal hasta una manifestación de mayor complejidad simbólica según avanza el siglo XXI. Los trabajos expuestos provocan diálogos sobre el saqueo y asentamiento en América Latina, y cómo esto ha afectado a los cuerpos feminizados, más aún, cuando hay intersección entre raza y género. Además, generan conversaciones sobre sujetos expulsados de la sociedad y cuyas problemáticas no pasan por el radar institucional, porque existen en los límites de las construcciones del género propagadas por la colonialidad.

_Esta exhibición ha sido posible gracias al auspicio de Fundación Puertorriqueña para las Humanidades, National Endowment for the Humanities, Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, Instituto de Cultura Puertorriqueña, Banco Popular de Puerto Rico, Ford Foundation y Liberty Business_.


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EN TIERRA ESTÉRIL CONVERTIDA

Cabo Rojo 

Disciplina 

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_El momento del yagrumo_ se refiere al presente, el tiempo después del paso de una tormenta devastadora en que caen los árboles más fuertes del bosque tropical y entonces, en ese claro inesperado, el yagrumo puede germinar. Este árbol es mucho más débil y, aunque su germinado da la sensación y verdura que indica recuperación, estos serán más fáciles de caer en tormentas futuras. Estos tiempos en que vivimos, de tormentas extremas que ocurren cada vez con mayor frecuencia, podrían acelerar procesos en que los mismos bosques ayuden a crear el calentamiento global que les destruye. El "momento del yagrumo" es simultáneamente una metáfora para la recuperación post huracán, pero también la urgencia de cambios más profundos en nuestra relación con la naturaleza.

La muestra examina tres temas centrales: los derechos de la naturaleza; los reclamos de soberanía y resistencia; y la recuperación de conocimiento a través de prácticas artesanales incorporadas a las prácticas del arte contemporáneo por artistas situados en el Caribe y las Américas. El grupo de artistas convocados comparte intereses por una creciente revalorización y estudio de lo vernáculo y se acercan al arte desde las prácticas regenerativas, el uso de materiales naturales y la producción y consumo local hacia una verdadera emancipación. Otros utilizan la tecnología y sus maneras de representar la naturaleza para reflexionar sobre los efectos sociales y culturales de nuestra exploración del mundo y el universo.

Ante un sistema económico global que colapsó a finales de los 2000s, existe una búsqueda de autosuficiencia y reorganización social que no excluye los deseos de artistas, quienes buscan alternativas fuera de los márgenes que nos habían dibujado. Estas prácticas artísticas dan cuenta del cambio de paradigma que se observa en el mundo del arte más amplio, en que se han ido creando espacios para revisiones históricas importantes y el interés renovado en artistas y campos usualmente considerados fuera del canon del arte. Hay otro conocimiento que es urgente recuperar para mayor difusión como parte de las estrategias de decolonización que podamos poner en práctica.

_Esta exhibicion fue gracias al auspicio de: Fundación Segarra Boerman e Hijos, Inc., Fondo Flamboyán para las Artes, The Andrew W. Mellon Foundation, Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, Instituto de Cultura Puertorriqueña y National Endowment for the Arts, Fundación Puertorriqueña de las Humanidades y National Endowment for the Humanities mediante la Ley CARES, Ford Foundation, Neeuko/Centro de Innovación Colaborativa de la Universidad del Sagrado Corazón y Liberty Business_.


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EL MOMENTO DEL YAGRUMO

La llave / la clave, compilación de playlists

Díselo Mon 

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_La llave / la clave_ es un proyecto que evidencia los vínculos entre las carátulas de álbumes producidos en Puerto Rico y Nueva York entre los años 50s y 80s, y la cultura visual y las dinámicas históricas que las informaron: música, videos, imágenes del mundo del arte y la publicidad, el sincretismo y la religión. El germen del proyecto surge en 2006, y se formaliza en 2011 como charla de artista. Actualmente, el proyecto consiste de una charla ilustrada, una instalación, una colección de discos LP, una publicación, un video, y playlists musicales.
En esta iteración de La llave / la clave, realizada en el marco del programa Taller Vivo, se reeditó la publicación y se estará desarrollando un componente adicional: una escultura funcional a modo de estudio de grabación. Junto a las piezas que conforman La llave / la clave, también se exhiben otras obras en papel que completan el conjunto musical de obras en sala.

Este proyecto es una investigación no académica hacia el imaginario cultural que conforma una buena parte de la evolución de la salsa como género musical y todo lo que ésta ha significado en Puerto Rico y poblaciones diaspóricas en Nueva York. De esta manera, la investigación de Tony Cruz Pabón se despliega en formas ante un público generoso que esté dispuesto a gozarla. 

_Este Taller Vivo fue posible gracias al auspicio de: Auspiciadores: Fondo Flamboyán para las Artes, Andrew W. Mellon Foundation, Banco Popular de Puerto Rico, Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario y el Instituto de Cultura Puertorriqueña_.

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LA LLAVE / LA CLAVE

Palingénesis 

Soft Spots

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La segunda parte de la exhibición, titulada _Anarquía_, ha sido estructurada en su montaje como un Salón de Artistas: una celebración y una afirmación del hacer arte como experimentación, investigación y libertad del método. La muestra plantea una celebración de la exploración de lo formal en el arte como un lenguaje dinámico, abierto y sin reglas pre-establecidas que funge a su vez como un cuerpo político y estratégico. Desde esa perspectiva, al analizarlo comparativamente y en colectivo, lo formal en esta exhibición contiene acuerdos y transgresiones que provocan un desencadenamiento de lineamientos discursivos sobre lo que es, debe y puede ser “arte”. Por consecuencia, la selección de las piezas procura romper con la tradicional definición de lo que es “calidad” como un criterio que históricamente ha sido impuesto desde perspectivas sexistas, al tiempo que reafirmamos el ejercicio curatorial como uno creativo y, por consecuencia, anárquico y libre.

Desde una mirada crítica e interseccional, Anarquía tiene como objetivo plantear y visibilizar rupturas y lineamientos sobre el hacer arte como una práctica marginal. En primer lugar, este Salón de Artistas tiene como sede el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC), un espacio de exhibición y conservación fundado por artistas hace 35 años, que aún hoy día mantiene su vigencia como una arena política que afirma la autonomía y la soberanía de la comunidad creativa del país como elementos necesarios para su desarrollo y subsistencia. A su vez, en su corta pero determinada trayectoria, el MAC ha fungido como espacio fundamental para la exhibición, visibilización y discusión del trabajo creativo de identidades marginales o no conformes, así como del desarrollo de comunidades dentro de la escena del arte que han debatido y resistido su presencia en términos de género, raza y/o clase social. De igual manera, algunas de las obras presentes en sala fueron producto de comisiones otorgadas bajo el programa El MAC en el Barrio, una plataforma de subvención a artistas y de impacto comunitario extramuros que ha sentado pauta al estrechar la brecha entre el elitismo en el arte y la heterogénea vulnerabilidad de las comunidades que le circundan y con las que ha decidido coexistir. 

En segundo lugar, este Salón de Artistas se inserta dentro de su propio devenir, pero con una intención transgresiva. En la historia del arte occidental, el salón de artistas ha sido un espacio determinante en la inserción de figuras y movimientos que son consideradas hoy día como hitos dentro de lo que fue la evolución y desarrollo de la práctica artística del primer mundo. Sin embargo, este Salón de Artistas titulado Anarquía se concibe desde la marginal y crítica situación del Puerto Rico pasado, reciente y actual, no con la intención de insertar estas obras en la historia del arte dominante, sino de cuestionar el dominio de esa historia, sus discursos e invisibilizaciones. Anarquía reafirma a les creadores que incluye como figuras trascendentales para la historia del arte de Puerto Rico, en el archipiélago y en la diáspora. Estas obras que aquí se exhiben han sido y son parte fundamental de nuestro ecosistema de experimentación y evolución creativa que, aunque no fueron aceptadas o visibilizadas como debía ser y en su momento, sostienen estructuralmente afirmaciones del ejercicio del lenguaje propio como el mayor poder con el que contamos aquelles que hacemos arte desde la periferia. 

Por consecuencia, _Anarquía_ reafirma a la comunidad artística de Puerto Rico como una comunidad vibrante y heterogénea, dinámica y autónoma, un ecosistema resiliente y en resistencia cuyo quehacer es incansable; una comunidad transdisciplinaria que habita y resiste en la translocalidad y en continua transformación. Anarquía invita al estudio de les artistas que incluye desde de la consciencia de su limitado alcance, reconociendo que aún faltan muches más artistas por reconocer. Sin embargo, aunque “no son todes les que están, ni están todes les que son”, _Anarquía_ celebra el quehacer del arte en Puerto Rico, su dinamismo y su voluntad abierta y transgresvia para fomentar el que la amplitud de nuestra comunidad nos sirva como plataforma para el desarrollo de estrategias creativas solidarias y de nuevas autorías. 

_Esta exhibición ha sido posible gracias al auspicio de: Banco Popular de Puerto Rico, Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, Instituto de Cultura Puertorriqueña, National Endowment for the Arts, Fundación Puertorriqueña de las Humanidades, National Endowment for the Humanities, Fondo Flamboyán de para las Artes_

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ANARQUÍA Y DIALÉCTICA EN EL DESEO: GÉNEROS Y MARGINALIDAD EN PUERTO RICO II

Autocombustión

Puttos

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La artista puertorriqueña **Bárbara Díaz Tapia** elabora un singular ejemplo de la pintura como espacio para el diálogo político y social entre nosotros. En esta exhibición, ella aborda la maternidad desde un espacio incómodo y espinoso.  La cultura impone un debatible lugar de privilegio a la madre, estado que tradicionalmente se concibe como de compleción femenina.  En contraposición, Díaz Tapia impugna este privilegio mediante la presentación de madres como seres monstruosos insertados en la más reconocible cotidianidad puertorriqueña.  El resultado es un duro retrato de nuestra sociedad a través de una polémica estampa de la figura materna.  Para ello, la artista se vale de un lenguaje pictórico rico, repleto de comentarios y debates que seguramente continuarán entre el público.  Con su creación pictórica, Bárbara Díaz Tapia realiza un robusto aporte a nuestra tradición de la pintura como provocación. 

_Este proyecto fue gracias al auspicio de: Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, el Instituto de Cultura Puertorriqueña, Banco Popular de Puerto Rico, Fondo Flamboyán para las Artes, The Andrew W. Mellon Foundation y Titín Foundation_.

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EDUCACIÓN SENTIMENTAL: PINTURA RECIENTE DE BÁRBARA DÍAZ TAPIA 

El closet de la loca

Nacimiento (De la serie Abnormal Fobia Pigmentation)

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La exhibición _Anarquía y dialéctica en el deseo: mujeres y artistas en Puerto Rico_ parte del estudio y reconocimiento de la realidad material, histórica, política y subjetiva del cuerpo en la sociedad, y del deseo como impulso que conduce a la plenitud y a la vida. Históricamente, la filosofía ha entendido el deseo como apetito sensorial, como perturbación o agitación del alma, o como necesidad de reintegrar lo perdido. Pero para los fines de este análisis, asumimos el deseo como una transgresión creativa, un impulso que alimenta la producción artística, un motor suficiente en sí mismo. Este deseo de crear, de establecer vínculos, entendimientos mutuos, diálogos, participación, autoría, sigue estando enmarcado socialmente dentro de una tradición que lo desarraiga del ámbito de lo real y privilegia la razón como espacio de orden, control y poder. Dada la oposición occidental cuerpo/mente, que todavía se alinea, en términos representacionales, con la dicotomía hombre/mujer —donde _hombre_ representa la mente y _mujer_ el cuerpo—, en esta exhibición propongo el deseo como un espacio dialéctico. El deseo se entiende aquí como un lugar de provocación y transgresión, donde las diferencias actúan libremente, generando encuentros y conflictos, un espacio donde se dan las discusiones (argumentos, debates), así como las contradicciones que habitan en los sujetos, en las artistas y en el arte como profesión práctica y teórica.

En la historia del arte, ser mujer y artista ha implicado el descubrimiento, estudio y reconocimiento crítico del cuerpo propio como imagen y como categoría semiótica dentro de una amplia gama de contextos sociales. Ser artista mujer en Puerto Rico, a su vez, ha implicado asumir la negociación y la transgresión, ajustar límites o hacer estallar contenidos sociales y discursivos, al tiempo que se asume la incertidumbre que representa la exploración de las posibilidades plásticas y conceptuales que dan forma y definición al arte. Se trata de una búsqueda cuyo fin último debería ser, inevitablemente, el desarrollo político y participativo de una mirada, una voz y un pensamiento propios dentro de una historia y un ámbito profesional que ha privilegiado, en general, la masculinidad, lo masculino (como esencia), en un contexto colonial y patriarcal.

Como estudio y exhibición que llega tarde en términos históricos, pero que es relevante y necesaria en términos teóricos, Anarquía y dialéctica en el deseo asumirá una postura crítica frente a las particularidades bajo las cuales cada artista ha desarrollado sus argumentos estéticos y formales —desde su propia definición o condición como mujer, sus cualidades e intereses subjetivos, sociales, económicos y políticos, su propia práctica, sus miradas, necesidades, contradicciones, convicciones y comprensiones—, todo ello más allá de cualquier agenda que agrupe a las mujeres como entidad homogénea y/o monolítica. Me interesa visibilizar cómo muchas mujeres, inmersas en esa exploración, fijan, transgreden, empujan o negocian los marcos que la historia y la tradición en el arte les han impuesto.

Dado el reconocimiento de la naturaleza diversa, contradictoria y dialéctica de las múltiples realidades y posibilidades que implica ser mujer y ser artista, la intención de este ejercicio curatorial es afirmar que ninguna estrategia artística —ya sea transgresora o normativa— merece mayor valoración que otra. Esta exhibición nos permitirá revisar cada obra desde una doble perspectiva: enmarcada por el colectivo como contexto y, al mismo tiempo, haciendo énfasis en las condiciones bajo las cuales fue concebida y generada. Por eso, la exhibición se propone como un proceso dialéctico en sí mismo, un ejercicio que exige la confluencia de artistas, obras y públicos dentro de un amplio programa educativo cuyo objetivo es generar preguntas, discusiones, debates y nuevos conocimientos. La premisa que sostiene Anarquía y dialéctica en el deseo es el reconocimiento de que a partir de la educación y la exploración, de la duda y la incertidumbre, pueden generarse nuevos entendimientos y nuevas verdades.

_Esta exhibicion ha sido posible gracias al auspicio de: Banco Popular de Puerto Rico, Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, Instituto de Cultura Puertorriqueña, National Endowment for the Arts, Fundación Puertorriqueña de las Humanidades, National Endowment for the Humanities, Fondo Flamboyán de para las Artes_. 

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ANARQUÍA Y DIALÉCTICA EN EL DESEO: GÉNEROS Y MARGINALIDAD EN PUERTO RICO I

El programa interactivo de creación Taller Vivo recibe a La Trinchera, un colectivo de danza y performance integrado por las artistas Marili Pizarro, Cristina Lugo y Beatriz Irizarry, para desarrollar y presentar Caldero: recetas de subversión doméstica, una nueva pieza escénica inspirada por el imaginario de las brujas. Durante su residencia en el MAC, la galería del museo se convierte en escenario, camerino y salón de ensayo en simultáneo. El público tiene la oportunidad de participar y observar el proceso de creación a través de una serie de talleres, documentación en Instagram, ensayos abiertos y presentaciones. Para La Trinchera, en el “Caldero” convergen múltiples disciplinas que se integran a su quehacer coreográfico, incluyendo la participación de varios colaboradores en la música, iluminación y videos que serán parte de la pieza final.

El proyecto actual parte de la figura de la bruja entendida como una entidad en completo control del espacio doméstico. El conocimiento de la naturaleza y su cuerpo, y su dominio sobre ellas las ha hecho tan poderosas como vilificadas en la cultura popular. Al momento de comenzar el taller, la pieza consta solamente de una estructura conceptual y de una serie de elementos escenográficos que aluden al espacio doméstico. Partiendo de una serie estampas coreográficas, La Trinchera explorará la memoria colectiva sobre las brujas, habitando la sala hasta transformar el museo con su conjuro.

CALDERO: RECETAS DE SUBVERSIÓN DOMÉSTICA

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El programa interactivo de creación Taller Vivo recibe al multifacético artista **Eduardo Alegría** y sus proyectos musicales más recientes en una serie de talleres y conciertos. Una exhibición contextualizadora aborda su trayectoria, desde su juventud queer, su carrera como bailarín, coreógrafo y dramaturgo, hasta su participación estelar en la banda Superaquello y ahora en Alegría Rampante y Polvos del Sahara. Alegría Rampante es una una banda “post-pop” en cuyas letras Alegría explora temáticas del cuerpo, la animalidad, la política, la sexualidad desde una perspectiva queer, mientras que Polvos del Sahara es un proyecto híbrido entre un “cover band” y un “gay piano bar”. La exhibición evidencia algunas de las colaboraciones de Alegría con otros artistas a través de una selección de materiales provenientes de su propio archivo. El público podrá participar del proceso creativo de Alegría a través de talleres, dos conciertos y el estreno del video de su más reciente canción, “Jirafa”, co-producido por el MAC.

La exhibición plantea la evolución de un bestiario de personajes y animales que van desde “Lucy” –una pieza de danza de 1995– hasta “Jirafa” –tema musical que alude al cuerpo reprimido, que busca su liberación–. Al mirar retrospectivamente la obra completa de Eduardo Alegría se descubre en ella una caravana de animales extraños –farifos, patos, iguanas y ornitorrincos–; una preocupación ininterrumpida por la evolución de lo humano mediante su transformismo en lo animal. Aparece en ella una suerte de bestiario queer, un conjunto de personajes que incomodan y cuestionan las expectativas sociales de los cuerpos y propone con ellos una serie de metamorfosis, no sólo de lo que lo humano ha sido, sino, sobre todo, de lo que puede ser. Esta intervención zoológica de Alegría no es inocente y plantea una propuesta política. Lo animal en su obra propone un nuevo “zoon politikon”.  

Si bien es cierto que con Aristóteles ya nos reconocemos como “animal político” desde la antigüedad; este animal de la polis, es tradicionalmente visto como un animal de consenso, que negocia sus diferencias en pro de lo común a todos, que sigue una lógica de mayorías. El que propone Alegría, sin embargo, es un animal político queer. Un animal antisocial, animal de minorías; un animal que se instala —siempre contingentemente— en la diferencia y obliga a la norma a doblarse, a ampliarse, a romperse y así dar lugar a la novedad inesperada. Un animal polítiqueer como apuesta al futuro que pueda generar esa diferencia.

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ANIMAL POLITIQUEER

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El Taller Vivo _Si te cojo…, cuerpo, mujer, rotura_ es un proyecto de Marta Pérez García que busca problematizar la violencia machista y los ataques sexuales, proponiendo aliviar por medio de la palabra –además de la escucha– una acción generadora que presente facetas o miradas distintas en las personas que se implican en la pieza. El dominio generacional de la violencia machista hay que detenerlo, y a menudo se empieza con la ruptura. En la medida en que cada ser humano se posicione frente a la violencia y encare esa realidad se progresa en ruta opuesta. La artista ha conversado con decenas de sujetos mujeres en diversos centros y hogares de apoyo a víctimas de violencia de género, tanto en Puerto Rico como en Washington. Reconoce que “romper” o salir del ciclo de la violencia no es tan simple como desearlo simplemente.

Este proyecto se da en colaboración con la Coordinadora Paz para la Mujer, Inc., a través de la cual se dan una serie de talleres de tres días en diferentes espacios especializados en atender la violencia de género en la Isla como son el Taller Casa Julia de Burgos en San Juan, Taller Hogar Ruth en Vega Alta, Taller Centro Paz para ti en Adjuntas;  la Casa Pensamiento Mujer del Centro y Envejecer en Armonía, Casa Juana Colón en Comerio y Centro de la Mujer Dominicana en Río Piedras. 

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SI TE COJO..., CUERPO, MUJER, ROTURA

Perdí el hilo

Aquí parece que el fuego quemó el bosque II

Cuando harán saber el conteo de muertes. La cifra real.

No sabía que vive gente en este monte

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Las obras que integran la muestra se centran en el registro de lo cotidiano a través del lente de lo social y del paisaje y son producto de la investigación sistemática que Rodríguez realiza en torno a la flora, el impacto del ser humano en el paisaje natural y al paisaje como una construcción social, cultural y política.  La exhibición tiende puentes entre la botánica y el arte contemporáneo que merecen ser exploradas en el contexto ecológico y social de Puerto Rico post-María.  

La artista explora los panoramas y la flora de su cotidianidad antes y después del huracán desde ópticas diversas e inusuales: como artista visual y del comic, como educadora y como trabajadora de la tierra. Muchos de estos trabajos, la mayoría en pequeño formato, fueron hechos con medios acuosos, como acuarelas tradicionales y pigmentos experimentales, estos últimos confeccionados por la artista con plantas provenientes de la finca en la que vive y trabaja. Como complemento al escogido de obras, la muestra incluye además un video documental y un muestrario de pigmentos, plantas y otros materiales que forman parte del proceso creativo de Rodríguez.

ROSAURA RODRÍGUEZ: TRABAJO DE CAMPO

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Transcurridos 100 años desde su inauguración como escuela, el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC) celebra el aniversario de la construcción del Edificio Histórico Rafael María de Labra que le sirve de sede desde el 2002.  Lo que da pié a la invitación al Maestro Antonio Martorell para desarrollar el proyecto _Retorno al Hogar (Labrando)_ como uno de los componentes principales de la celebración del centenario del edificio. 

Retorno al hogar (Labrando) incluye obra gráfica, dibujo, instalación y performance. El escogido de obras y el diseño del montaje de la exhibición realizados por el curador invitado, Humberto Figueroa, muestra una selección de la producción artística de Martorell en los pasados dos años. En cuanto al montaje, el regreso a casa del artista santurcino se emplaza desde las galerías externas del edificio en sus segunda y tercera plantas y en la sala Julio Rosado del Valle. Las obras van marcando un camino desde la entrada, a través de las escaleras hasta la sala de exhibiciones. El Retorno al hogar, con sus intervenciones es visita para comunicar el rol de la escuela y el museo en la construcción de un pueblo que aspira a rebasar los límites en su exploración lúdica hacia la epifanía de los estados de libertad que el arte propicia.

_Este proyecto es posible gracias al apoyo de la Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario, el Instituto de Cultura Puertorriqueña, Banco Popular, Church’s, Goya de Puerto Rico y la Red de Fundaciones_.

EXHIBICIONES PASADAS

2025

SERENO NO ME MANDES A DORMIR

11.oct.2025—26.ene.2026

CARIBE POR VENIR

23.ago.2025—01.feb.2026

MAR ADENTRO

23.jul.2025—12.oct.2025

2024

10 AÑOS DE MAC EN EL BARRIO

09.nov.2024—20.jul.2025

SUNLIGHT ON THE SEA FLOOR

04.oct.2024—09.mar.2025

2023

PUERTO RICO NEGRX

20.oct.2023—01.sep.2024

LIBERAR LA LUZ: NUEVAS ADQUISICIONES DE VIDEO

19.may.2023—17.sep.2023

FOREIGN IN A DOMESTIC SENSE

19.may.2023—17.sep.2023

TRÓPICO ES POLÍTICO: ARTE CARIBEÑO BAJO EL RÉGIMEN DE LA ECONOMÍA DEL VISITANTE

18.feb.2023—30.jul.2023

2022

CÜIRTOPIA: SOFT CRASH

12.mar.2022—14.ago.2022

2021

(RE)CONOCER EL FUTURO

23.oct.2021—23.oct.2022

NOVENARIO

23.oct.2021—23.oct.2022

EN TIERRA ESTÉRIL CONVERTIDA

07.ago.2021—06.feb.2022

EL MOMENTO DEL YAGRUMO

25.abr.2021—19.sep.2021

LA LLAVE / LA CLAVE

13.feb.2021—19.jun.2021

2020

ANARQUÍA Y DIALÉCTICA EN EL DESEO: GÉNEROS Y MARGINALIDAD EN PUERTO RICO II

31.oct.2020—07.mar.2021

EDUCACIÓN SENTIMENTAL: PINTURA RECIENTE DE BÁRBARA DÍAZ TAPIA

05.sep.2020—16.ene.2021

2019

ANARQUÍA Y DIALÉCTICA EN EL DESEO: GÉNEROS Y MARGINALIDAD EN PUERTO RICO I

16.nov.2019—11.mar.2020

CALDERO: RECETAS DE SUBVERSIÓN DOMÉSTICA

10.sep.2019—18.oct.2019

ANIMAL POLITIQUEER

13.ago.2019—31.ago.2019

SI TE COJO..., CUERPO, MUJER, ROTURA

02.jul.2019—30.oct.2019

ROSAURA RODRÍGUEZ: TRABAJO DE CAMPO

07.mar.2019—01.jun.2019

ANTONIO MARTORELL: RETORNO AL HOGAR (LABRANDO)

21.feb.2019—27.jul.2019

2018

CONTRAPUNTO: SELECCIÓN DE OBRAS DE LA COLECCIÓN PERMANENTE DEL MAC

03.oct.2018—02.nov.2019

LLAIMA SANFIORENZO & MARGARET MAIR: AUTORETRATOS EN EL BARRIO, SERIE NO. 10

19.sep.2018—27.oct.2018

SANTURCE, UN LIBRO MURAL

23.feb.2018—26.may.2018

2017

ENTREDICHOS: NUEVAS ADQUISICIONES DE LA COLECCIÓN PERMANENTE

15.dic.2017—11.ago.2018

YIYO TIRADO: LA CERRA

25.ago.2017—19.sep.2017

ARTE EN CONCRETO - LO CONCRETO EN EL ARTE

18.may.2017—19.sep.2017

2016

CRISTINA LUCAS: ILUMINACIONES PROFANADAS

18.nov.2016—18.mar.2017

NICK QUIJANO: MI ABUEL@ ESTÁ AQUÍ

05.nov.2016—10.dic.2016

POETIC SCIENCE: APROXIMACIONES ARTÍSTICO-CIENTÍFICAS SOBRE EL YUNQUE

08.sep.2016—01.ago.2017

JOSÉ LUIS VARGAS: IMAGINARIOS COMUNES

28.may.2016—26.ago.2016

ARTE Y RESILIENCIA: UNA REAFIRMACIÓN DE LA COLECCIÓN PERMANENTE DEL MAC (HASTA LAS LUCHAS ACTUALES)

19.may.2016—06.sep.2017

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